Di Maria Adelaide Marchesoni


MIA Milan Image Art Fair, la fiera dedicata all’arte fotografica, (Superstudio Maxi a Milano dal 28 aprile al 1° maggio), si è chiusa con soddisfazioni sul fronte commerciale. Numerose le vendite favorite da un pubblico sempre più evoluto sul media fotografico, come hanno voluto sottolineare alcuni galleristi. Pertanto la “fisiologica” minor affluenza attesa per un’edizione che si è svolta a pochi mesi dall’ultimo appuntamento dello scorso autunno posticipato per l’emergenza sanitaria, non ha pesato sui risultati. Diverso, invece, il riflesso sul numero di espositori – 97 le gallerie presenti – in calo del 15%, ma gli organizzatori confermano che nel 2023 i numeri torneranno a salire con il 30% degli espositori provenienti dall’estero, oggi il 20%.

Questa edizione può essere definita il “numero zero”, in quanto segna l’inizio di una nuova stagione dopo l’ingresso nel gruppo Fiere di Parma (Mercanteinfiera, Gotha e Cibus) che ha sfidato le avversità del momento e ha deciso di ampliare il portafoglio (la vendita ha considerato un valore pari a un multiplo dell’ebitda). «L’obiettivo di Fiera di Parma – ha spiegato Lorenza Castelli che insieme al padre Fabio Castelli ha fondato la fiera nel 2011 – è di posizionare MIA Fair in una decisa chiave europea, capitalizzando la piazza di Milano e le relazioni internazionali di Fiere di Parma. Lo sviluppo internazionale – prosegue Lorenza Castelli – si concretizzerà nell’esportare questo format a Colonia, ad Art Cologne 2023, per offrire maggior visibilità agli espositori che da sempre hanno apprezzato il nostro modello». Un’altra novità di questa edizione è l’impegno da parte di Fiere di Parma di costituire un fondo annuale di 20.000 euro indirizzato all’acquisto di una o più opere per arricchire il proprio patrimonio artistico.

L’offerta in fiera

Oltre alla Main section, è stata organizzata la seconda edizione di Beyond Photography – Dialogue, curata da Domenico de Chirico, riservata alle gallerie che promuovono le generazioni più recenti di artisti, con un’idea espositiva di dialogo tra fotografia e una sola opera realizzata con altre tecniche (scultura, installazione, pittura e video) come nello stand della galleria ArtNoble dove insieme alle foto di Alberto Selvestrel, classe 1996, la cui ricerca stabilisce un legame tra la realtà del paesaggio e quella immaginata dall’artista (le foto in edizione di 10 viaggiano tra 1.400 e 1.600 euro mentre quelle in edizione di cinque da 3.000 a 5.400 euro), insieme all’opera scultorea di Giovanni Chiamenti (classe 1992) «Chimera», 2021 realizzata dopo uno scatto e in seguito stampata in 3D su una lastra di plexiglass e sostenuta da due radici in abete (6.200 euro). In fiera i prezzi delle opere viaggiano in un range compreso tra mille e 30mila euro (le opere del fotografo canadese Edward Burtinsky presentato da Admira sono vendute a 30mila euro). «In fiera – racconta Francesca Malgara, tra i giurati del premio BNL BNP Paribas – è poco presente l’offerta vintage, ma è privilegiato un racconto più legato al contemporaneo per aiutare i fotografi a crescere. Obiettivo dei fondatori in questi dieci anni con il risultato di aver aiutato a crescere diversi fotografi». Un esempio? Francesco Bosso (lavora con Photo & Contemporary galleria di Torino) interprete del paesaggio: dieci anni fa i suoi scatti in bianco e nero erano venduti a meno di 1.000 euro oggi viaggiano sugli 8.000 euro e continua a lavorare in modo analogico e stampa nella camera oscura.

Le gallerie giovani

Se il costo di partecipazione alla fiera è in linea con gli altri competitor, MIA Fair propone una dimensione di stand (12 mq) considerata entry level ad un costo complessivo di 3.500 euro, dove è possibile esporre “i lavori in modo decoroso” e permette la partecipazione anche alle gallerie più giovani o con un budget più contenuto. Tra queste era presente Looking for Art, StartUp Innovativa nata nel 2019 per promuovere artisti emergenti under 35 anche attraverso una piattaforma B2B. In fiera erano presenti i lavori di tre artisti (Mattia Sanarico, Sofia Mangini, Matteo Brivio nati tra il 1994 e il 1998) con prezzi inferiori ai 1.000 euro e le foto, in edizioni di tre, avevano come tema l’architettura e l’ambiente. Altra giovane galleria Arte in salotto presentava le opere di Laurent Chéhère (Parigi, 1972) che attraverso la fotografia, il reportage e il fotomontaggio esplora città, periferie e paesi (la serie «Flying Houses», prezzi 9.000 euro edizione di 5) e la “Natura morta” e “Vanitas”di Mauro Davoli (prezzi da 1.600 edizione di 10 e 4.000 in edizione di 5).

La presenza femminile tra i premi

Ben rappresentato il genere: da Galleria Forni (Bologna), Vera Rossi con fotografie still life (edizioni di 5 da 1.000 a 1.200 euro, l’opera unica di composta da 16 fotografie in edizioni di 5 a 10 mila euro), da Podbielski le foto di Silvia Camporese (da 3 a 7mila euro) o Florence di Benedetto (l’opera «La festa è finita», 2021 in vendita da Glauco Cavacciuti Arte in edizione di 5 a 7.500 euro) tra i finalisti del premio BNL BNP PARIBAS giunto all’11ª. Il premio è stato vinto ex aequo dall’opera di Simona Ghizzoni «Isola», 2021 (MLB Gallery ) un trittico che racconta il rapporto tra uomo e natura, nato durante il lockdown e quella di Antonio Biasiucci, «Corpo Ligneo n.01», 2022 (Farsetti Arte). Malena Mazza si è, invece, aggiudicata il premio acquisizione di 2.000 euro della prima edizione di IRINOX SAVE THE FOOD, istituito per promuovere artisti che attraverso l’uso dell’immagine in ogni sua forma abbiano affrontato il tema cibo. L’opera «Convivio», 2007 entrerà a far parte della Collezione del gruppo Irinox, leader nel settore degli abbattitori rapidi di temperatura da casa e professionali. Oltre alla vincitrice del premio acquisizione, altri due premi sono stai assegnati ai fotografi Margherita Del Piano e Maurizio Montagna i cui lavori, grazie alla partnership con Fiere di Parma, saranno esposti nella mostra ART SAVE THE FOOD, curata da Claudio Composti, presso il Complesso Monastico San Paolo di Parma in concomitanza con CIBUS, la fiera internazionale dell’agroalimentare Made in Italy, dal 3 maggio al 5 giugno 2022.


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The first solo exhibition of Roberto Alfano at ArtNoble gallery, Milan, curated by Piergiorgio Caserini.

ArtNoble gallery is pleased to present Miraggio Inferiore (Inferior Mirage), the first solo exhibition of artist Roberto Alfano at the gallery, curated by Piergiorgio Caserini.

An inferior mirage is the asphalt bobbing like the sea. It is an effect of the heat, the humidity and the distance, a strange inflection of the above on the below that everyone knows well, but especially those who have always been accustomed to infinitely long landscapes and horizons where the gaze is so wide that it is only possible to follow things as they disappear. Obviously, we are talking about the plains: the Po Valley and the Emilian plains. Expanses dotted with farmhouses, courtyards, bell towers, aqueducts and pylons, framed by the geometric shapes of muddy ditches, embankments and drainage ditches in which families of nutrias wallow, surrounded by small swarms of fireflies; in short, those landscapes in which steaming piles of shit, gravelly mud on the embankments, occasional floods and, recently, tornadoes, recur. Let us say with the certainty of those who live them that these are such vast spaces that it is easy to get lost whilst standing still. They are landscapes that have the peculiarity of urging the observer to continually exercise a glance into the distance, at what disappears and what only appears when walking – and here we live on opposites: the fog is the ultimate fallback, where things rather than disappearing suddenly appear. In short, the long, seemingly infinite spaces facilitate the mirage, whether it is inferior or superior: whether it is the sky that makes the asphalt and the earth vibrate, or the mountains that disappear below the horizon.

Let’s start from a postcard that draws on decidedly biographical aspects. Roberto Alfano, for those who don’t know him, grew up between the industrialised moors of the sub-rural area par excellence, the Lower Lodigiana, and the livelier and more flooded expanse of the Emilian plain. The postcard in question is an image or a memory that seems at first glance to rummage around with that neo-realist bucolic of the farmyard courtyard, children running in the fields, dogs and walks. And it will immediately seem as if the subjects of Miraggio Inferiore are dogs: dogs of wood, dogs of earth and clay and cement, dogs of cloth and sequins, spotted and striped, motionless and snappy. You will see that there is a shack, just like the abusive ones so often found at the base of motorway overpasses, where you never know whether the mist is actually pollution or vice versa. You will also notice the recurrence of figures and signs with childish features, and this is where we commence.

Roberto’s entire production is characterised by at least two distinctive movements. On one hand, there are figures of fantasy: a childlike attitude of disorientation, of stubbornly following a kind of childlike trait that chases after forms, portraits and scenes. On the other, the obsession with the repetition of elements. If we ask ourselves what a childlike trait is, we must think of a game of forced – but still likeable – sympathies. Which means not allowing things to happen, but rather imposing the reality of fantasy, and opening up adventures where it seems there are none – and here, if you want to imagine it, the figure of the horizon can return again. But the fact is that these dogs mostly have one thing in common. They are disproportionate, some too small and others almost deformed, some grotesque and others tender.

It could be said that some of these are affected by neoteny, which is that evolutionary oddity, the culprit of which falls mostly on the co-evolutionary processes of domestication and selection, whereby friendly canids have not only, for example, long, tender ears and large, soft skulls, but also behavioural characteristics more akin to a puppy. And the perceptual result is that of an aura of tenderness, of cuddles and caresses, almost as if one could think that those affected by neoteny receive a strange reality by reflex. A lysergic reality, as if one were always and only looked at and squared by the eyes of childhood, which are eyes that see things from a different perspective together with what they actually are. It means they are dogs, but almost. Almost-dogs. Exactly like the most grotesque and spectral figures, the masks exacerbate a wild violence as well as exhibit the fascination with ideas of freedom.
In Miraggio Inferiore and in the rendering of dogs, a motif of identity is revealed. Of wondering where the limit is between what one sees and what one thinks, and inscribing the problem in a postcard-image, that is to say in a landscape that bends the gaze in a certain way and modulates the sensations accordingly, just like a childlike trait, or a mirage: which throws out figures as they are, turns a dog into a patch, a piece of wood into a body, a lump of clay into a monster, so that a house is also a shack and the onlooker pours out continuously at the foot of the horizon in which he is lost, just to wobble for a few minutes along with the asphalt.

In short, to close this long text, which is more of a dialogue than anything else, let us say that looking at Roberto’s work we find ourselves faced with one of the most difficult aspects of that thing called “art”, which has as many forms and figures as it is put into practice, and which is perhaps, at heart, an aspect of expression: its necessity. That of being able to constantly cope with the things that appear and vanish, that afflict the soul and break it up in every portion of the gaze, in every visible one, those affections that – if intense – make it difficult to distinguish between who is looking and what is seen, between looking and being looked at, between the paranoia of a shack in a space so large as to seem infinite and the strange freedom of disappearing into the same space.


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Di Franco Capacchione

Si chiama Miraggio Inferiore la prima personale dell’artista Roberto Alfano alla galleria ArtNoble di Milano. Il titolo della mostra allude alla Bassa Lodigiana, territorio dove Alfano è nato: un contesto ormai industrializzato in cui l’artista privilegia immagini senza tempo come le corti delle cascine e i bimbi che corrono dei campi. Classe 1981, Alfano si è confrontato inizialmente con l’arte urbana realizzando i primi graffiti. Con il tempo la sua attenzione si è rivolta al disegno e alla pittura mantenendo come riferimenti la cultura contemporanea underground e, insieme, i Maestri del post-impressionismo. Tra i suoi lavori precedenti, una creazione multimediale dedicata agli astri e alla Terra. La ricerca di libertà espressiva lo ha portato ad avvicinarsi al mondo del disagio psico-fisico e sociale. Il passo successivo è stato l’impegno professionale come conduttore di laboratori nei quali, per esempio, sono stati coinvolti bambini con disabilità psichiche e motorie.

Dal 3 marzo al 29 aprile ArtNoble presenta la prima personale in galleria dell’artista Roberto Alfano, classe 1981, cresciuto nella Bassa Lodigiana “allenandosi” alla palestra dei graffiti. Il segno è generato dal colore ed esprime una vera e propria ossessione figurativa. Disegno e pittura contaminano qualsiasi superficie. L’irruenza istintiva dell’artista tende alla semplificazione dell’arte urbana, ma è anche vicina alla potenza espressiva e all’immediatezza dell’Art Brut. Negli ultimi anni Alfano ha sviluppato un laboratorio espressivo definito di arte contemporanea generativa e punta alla capacità di assecondare l’istinto nel segno e nelle scelte cromatiche, anche a scopi educativi e terapeutici. Per questo l’immaginario abbracciato dalla sua pittura é vasto e a tratti inafferrabile. L’artista prende spunto dal reale per aprirsi a un viaggio di pura fantasia. Con le sue forme stilizzate e i colori squillanti attinge all’infanzia. A cura di Piergiorgio Caserini, la mostra dal titolo Miraggio Inferiore è ambientata nel paesaggio della pianura padana ed emiliana. Solo a tratti riconoscibile, è costellata da casolari, corti, campanili, ma anche asfalto, tralicci e fossi fangosi. Fatato e inquietante, questo luogo è abitato da nutrie e lucciole.

Di Domenico Greco

IN MOSTRA NEGLI SPAZI DI ARTNOBLE A MILANO, ROBERTO ALFANO RIPERCORRE LA SUA CARRIERA ARTISTICA E APPROFONDISCE I TANTI LINGUAGGI CREATIVI DI CUI SI SERVE

Dalla pittura alla scultura all’installazione site specific il passo è breve per Roberto Alfano (Lodi, 1981), protagonista della mostra Miraggio Inferiore negli spazi di ArtNoble a Milano.

Di Roberto Alfano sappiamo che pratica graffiti, pittura e scultura. Come ti presenti al pubblico?
Se intendi come mi presento quando mi chiedono qual è il mio mestiere, rispondo che sono un artista, poi generalmente integro altre informazioni rispetto alle specifiche di questa “qualifica”, ad esempio nel contesto del laboratorio artistico-esperienziale mi approccio come artista-educatore. Rispetto alla prima parte della domanda, alla pratica dei graffiti preferisco quella della pittura murale in senso ampio, ma in contesti informali. Sicuramente pittura e scultura sono molto presenti nel mio lavoro, anche se il disegno tendenzialmente prevale. Inoltre nell’ultimo periodo mi sono avvicinato al reame dell’installazione site specific.

Parliamo dell’esperienza dell’opening di Miraggio Inferiore, titolo della tua personale presso la galleria ArtNoble di Milano. Quale storia hai raccontato attraverso i lavori presenti in mostra?
L’esperienza dell’opening è stata indubbiamente emozionante. C’è stata molto partecipazione, le persone presenti si sono lasciate coinvolgere nella narrazione che accompagna la mostra elaborata insieme a Piergiorgio Caserini, curatore di Miraggio Inferiore, e arricchita dalle intuizioni brillanti di Matthew Noble, gallerista, fondatore di ArtNoble.

I contenuti di questo racconto sono riconducibili al mio (e di Pier) territorio di provenienza, la Bassa Lodigiana, alla cultura degli Anni Novanta, a contenuti più introspettivi inerenti alla sfera del controllo e dell’impulsività che si integrano a riflessioni sulle abitudini della società contemporanea, il tutto in un’atmosfera di sospensione che evoca onirici paesaggi nebbiosi.

L’ARTE DI ROBERTO ALFANO

Luci blu, magenta e giallo ambra. Così apri il mondo della galleria a tutti e rendi accessibile l’elitario. Come scopri la facoltà di cogliere certe visioni nella realtà?
Credo sia prevalentemente una predisposizione naturale acuitasi con l’esperienza e la pratica. Da bambino non sono stato particolarmente portato per le discipline artistiche, ma ero in ogni caso molto fantasioso. Spesso mi sono ritrovato immerso in “mondi paralleli”, qualche volta per difesa altre per il piacere di sognare a occhi aperti. Probabilmente questa attitudine insieme ad altre qualità della mia personalità mi ha portato a sviluppare un immaginario molto elaborato, che sento visceralmente intimo.

Che luogo è per te lo studio e che tipo di esperienze vivi in questa dimensione?
Lo studio è un luogo d’intimità ma anche di incontro. Passo molto tempo a progettare, elaborare e produrre, negli ultimi anni con una cadenza più metodologica ma lasciando molto spazio a momenti di creazione impulsiva/spontanea. Allo stesso tempo mi piace il confronto, quindi spesso mi trovo con amici o persone incuriosite dal mio lavoro. Sono momenti costruttivi che mi aiutano a vedermi con occhi diversi.


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Di Edoardo Durante

Giovedì 3 febbraio è stata inaugurata Tales from the inside_out: the look through, la nuova esposizione presentata da co_atto, project space. Lo spazio è stato fondato nel 2021 da Stefano Bertolini, Ludovico Da Prato e Marta Orsola Sironi, per occuparsi della riqualificazione della stazione Porta Garibaldi di Milano, attraverso la promozione di artisti emergenti.

La mostra, che ospita i progetti site specific di Alessio Barchitta, Lucia Cristiani insieme a Jacopo Baco Giannitrapani e Fabrizio Falcone, Virginia Dal Magro, Giulio Locatelli, Edoardo Manzoni, Niccolò Quaresima e Andrea Spartà, si sviluppa all’interno delle vetrine espositive del Passante Ferroviario di P.ta Garibaldi. All’esposizione partecipano anche ArtNoble Gallery, proponendo i lavori di Giulia Mangoni, il collettivo Tazi Zine, a cui è stata affidata la vetrina archivio, e Luca Loreti, che per questa occasione ha realizzato quattro tavole inedite.

Tales from the inside_out: the look through testimonia i tentativi di ricerca, analisi e racconto dello spazio espositivo da parte degli artisti, i quali riflettono sui meccanismi di relazione che sussistono tra l’ambiente interno delle vetrine e l’ambiente esterno, in questo caso la stazione, intesa come sinonimo di città e di contemporaneità. Una soluzione per quest’ultima è proposta dagli artisti anche attraverso le parole della filosofa Rosi Braidotti, la quale, approfondendo il concetto di soggettività nomade, afferma che: “La caratteristica principale è il suo essere post-identitario: il nomadismo è un processo attraverso il quale tracciamo molteplici trasformazioni e molteplici modi di appartenenza, ognuno dipendente dal posto in cui ci troviamo e dal modo in cui cresciamo”.

Qui, alcune delle proposte in mostra: l’identità nomadica e spaziale delle vetrine viene indagata da Alessio Barchitta, che riflette sulle dinamiche di fruizione e assimilazione di contenuti e informazioni nella società contemporanea. Il soggetto principale della sua opera sono i popcorn, simbolo di un tipico atteggiamento passivo da spettatore al cinema; viene sottolineato come nell’odierna società i ruoli di soggetto e oggetto siano spesso invertiti, rendendo così quest’ultimo il motore che fa muovere la coscienza del primo.

ArtNoble Gallery, invitata da co_atto per questa occasione, presenta Giulia Mangoni che conclude così il progetto Bits&Cream. Metabolizzazione d’Archivio, con cui indaga la sua provincia natale come luogo di ricerca e scambio. Le opere pittoriche, posizionate su due wall-painting, cambiano ogni settimana e si inseriscono perfettamente nella ricerca di Mangoni, che approfondisce la realtà della Ciociaria e della provincia in generale.

Edoardo Manzoni riflette sul dialogo tra uomo e animale, tra domestico e selvatico, tramite il tema della caccia. Le opere presenti in mostra appartengono alla serie delle Trappole: oggetti decontestualizzati nella loro totalità che perdono la funzione di esca e, al contrario, assumono diversi significati. Manzoni traccia un sottile parallelismo tra la figura dell’artista e quella del cacciatore, focalizzando la sua ricerca sul concetto di desiderio e bellezza.

Giulio Locatelli porta in mostra l’opera Anti-Biblioteca: elementi caldi e sensibili, costituiti da raccolte di storie, antologie di racconti, appunti, ricoprono il ruolo di fondamenta per elementi freddi e ferrosi che costituiscono i veri e propri cantieri di una biblioteca in costruzione. Il risultato finale è la concettualizzazione di due ambienti in via di definizione dove forza e pensiero trovano un punto di contatto fino a coincidere del tutto.

Il collettivo Tazi Zine propone la seconda tappa di Abecedario Meneghino, progetto iniziato nel 2019 e che, attraverso la realizzazione di una raccolta fotografica di lettere trovate per le strade di Milano, racconta la vita del capoluogo lombardo. Infine, in occasione di Tales from the inside_out: the look through, viene presentata una nuova selezione del materiale archiviato, proposto tramite un’installazione site specific.



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